DONNER À VOIR CE QUI NE SE VOIT PAS : L’ART DE PEINDRE LE «CONTENU DE LA PENSÉE»
Tous les quinze jours, La Galerie Émergente vous propose de repérer un détail d’une œuvre et d’observer son rapport à l’ensemble, ce qu’il apporte à la composition, ce qui le rend absolument nécessaire, même s’il ne vous a pas sauté aux yeux lors du premier regard !
Cette semaine, on se concentre sur un détail caché dans la peinture Dubitative de Marine Walon… Ou comment ce qu’on ne voit pas peut signifier autant, voir plus, que ce qui est donné à voir par l’artiste !
Vous le voyez ce détail caché ? Cette absence incongrue ? Marine Walon nomme son œuvre « Dubitative », ce qui signifie « qui exprime le doute* » . Pourtant, ce qui nous sert à nous exprimer n’est pas présent dans ce tableau, puisque la jeune femme peinte ici… n’a pas de bouche.
Bien sûr qu’elle a une bouche, me direz-vous ! Celle-ci est simplement cachée derrière sa main. C’est précisément le détail sur lequel je veux attirer votre attention… Cette main « cache » la bouche du personnage : c’est une reconstitution de votre esprit de spectateur averti, qui connait bien le corps humain, et qui sait très bien qu’à cet endroit du visage, on trouve une bouche. Oui mais… Cette bouche n’est pas représentée, l’artiste ne l’a jamais peinte, elle n’a pas d’existence « physique », picturale. À la place, il y a une main, qui dissimule entièrement l’espace que devrait occuper la bouche, cette bouche qui dit, qui exprime. C’est un choix de l’artiste, et il est très important !
En effet, si je vous demande de peindre le doute, à quoi pensez-vous ? Et plus précisément encore, l’expression du doute ? Difficile, n’est-ce pas ? C’est à ce problème que s’est attelée Marine Walon dans Dubitative, rejoignant ainsi un questionnement antédiluvien des artistes… Comment représenter les émotions, les passions, et l’action de parler dans une œuvre graphique, sans le son et sans le mouvement ?
Cette question est très importante, car si l’on en croit Léonard de Vinci (vous avez peut-être entendu parler de lui, il a peint un petit tableau qu’on appelle la Joconde), « le bon peintre a essentiellement deux choses à représenter : le personnage et le contenu de sa pensée** ». Au cours de l’histoire de l’art, plusieurs réponses ont été apportées à cette question essentielle, et elles se concentrent toutes plus ou moins dans l’idée que : «[les] mouvements de l’âme se font connaître pas les mouvements du corps***».
On comprend maintenant mieux l’importance de cette absence de bouche, cachée par le geste d’une grande main bleue, située au centre même du tableau. À travers ce jeu d’absence/présence, l’artiste nous donne sa version d’un personnage exprimant le doute, ne sachant que dire, hésitant…
Un sentiment renforcé par le regard de la jeune femme, tâche claire dans le tableau, qui croise le regard du spectateur comme pour le prendre à parti, lui demander quelque chose, être l’interlocuteur privilégié de ce discours muet et indécis.
Pour terminer cette analyse, il nous faut absolument dire un mot sur le bleu. Cette couleur dite « froide » est partout sur la toile ; elle enveloppe la figure féminine et la recouvre. Goethe, dans son Traité des couleurs, disait d’elle : « [elle] fait à l’œil une impression étrange et presque informulable**** » . Une belle description de ce que l’on ressent lorsque le doute nous étreint ?
* Dictionnaire Larousse
** Léonard de Vinci cité par André Chastel dans L’art du geste à la Renaissance
*** Leon Battista Alberti, De Pictura, 1435
**** Johann Wolfgang von Goethe, Traité des couleurs, 1810
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